Stagione 2023

Ospite in festival nazionali ed internazionali come solista e camerista, Leonardo Zunica si è esibito in Italia, Spagna, Scozia, Finlandia, Ucraina, Croazia, Svizzera, Francia, Grecia, Russia. Leonardo Zunica nutre un profondo interesse per la musica contemporanea con prime esecuzioni di musiche di compositori di oggi.
Ha creato alcuni progetti monografici con musiche di C. Debussy (integrale delle opere e trascrizioni a quattro mani con Maria Ala-Hannula e scelta di opere pianistiche solistiche), Shostakovic e K. Szymanowsky (con il musicologo Sandro Cappelletto), G. Crumb (integrale del Makrokosmos), O. Messiaen (Visions de l’amen), Stravinsky – Manfrin (Le Sacre du printemps / To the end of surfaces per due pianoforti ed elettronica), integrale delle Sonate per violino e pianoforte di J. Brahms (con O. Semchuk), integrale delle opere per pianoforte a quattro mani di W. A. Mozart (con S. Giavazzi), le trascrizioni dei Tango di A. Piazzolla realizzate da P. Ziegler (per due pianoforti), L. van Beethoven (scelta di Sonate pianistiche).
Ha collaborato come con orchestre quali Orchestra dell’Arena di Verona (Oiseaux Exotiques di O. Messiaen), I Virtuosi Italiani (Rhapsody in Blue di G. Gershwin), Orchestra Nazionale dell’Ucraina (Concerto op. 21 di E. Chausson) e con Dedalo Ensemble, Icarus Ensemble, Gruppo Musica Insieme.
Nel 2017 ha partecipato ad un progetto creato da Ivano Fossati attorno alla figura di G. Gershwin. Con Paolo Ghidoni (violino) e Antonio Mostacci (violoncello) fa parte del Trio di Mantova.
E’ co-direttore artistico della stagione concertistica Mantovamusica. Ha inciso per l’etichetta Davinci il Concerto op. 21 di E. Chausson con Paolo Ghidoni e il Quartetto “Boito” e nel 2021 un cd dedicato alla musica pianistica di C. Debussy (Préludes 1re livre, Prélude a l’ápres-midi d’un faune – trascr. di L. Borwick). Nel 2023 esce per Stradivarius il progetto Contrappassi, dedicato alla ricezione di Dante in alcune opere musicali del XX e XXI secolo. Nel 2023 è prevista l’uscita di un cd in duo con il violinista O. Semchuk con progetto intitolato “Fantasie”, che include le fantasie per violino e pianoforte di Schubert, Messiaen, Schönberg e Stankovic.
Alcune sue incisioni sono state trasmesse da Rai Radio 3, in trasmissioni come Primo Movimento e Radio 3 Suite. Nel 2022 contribuisce alla realizzazione di una monografia (Edizioni Universitarie Trieste) dedicata al compositore triestino Gianpaolo Coral, con un articolo che indaga il rapporto tra l’alchimia e la musica di Coral.

Claudio Sanna (Sassari 1985) ha collaborato in qualità di pianista da camera con le prime parti di Berliner Philharmoniker, Wiener Symphoniker, Teatro alla Scala, Arena di Verona, Orchestra del Teatro Olimpico di Vicenza, con musicisti quali Franco Maggio Ormezowsky, Enzo Caroli, Michel Bellavance, Marco Zoni, Cristhoph Hartmann, Luca Vignali, Mario Marzi, Daniele Agiman, Alessandro Moccia, Marco Scano, Gabriele Croci, Vadim Brodski, Patrick De Ritis, esibendosi in varie sedi prestigiose quali i Musei Vaticani, sala del Gregoriano per il festival Il bello da sentire, Teatro Bibiena di Mantova, Sala Verdi del Conservatorio A. Boito di Parma, Teatro Comunale L. Pavarotti di Modena, Teatro della Tosse di Genova, Sala Vivaldi della biblioteca Nazionale di Torino, Filarmonica di Rovereto, Teatro Comunale di Sassari, Auditorium comunale di Cagliari, Giardino Sonoro di Pinuccio Sciola a San Sperate, Sala dei Ritratti della Fondazione Giuseppe Siotto di Cagliari, Ehrbarsaal e Odeon Teater di Vienna, Teatro Dal Verme di Milano.
Tra le esibizioni meritano particolare attenzione l’esecuzione del Pierrot Lunaire di A. Schoenberg, con Sonia Bergamasco alla voce, per il festival I Grandi interpreti della musica a Sassari; La Petite Messe Solennelle di G. Rossini con il Coro Città di Parma diretto da Simone Campanini per il festival G. Verdi a Parma e l’esecuzione dei Quadri da una città fantasma di Luciano Chessa per il festival Musa Madre di Rebeccu.
Collabora con AdM Soundscape, con sede a Modena, ensemble da camera specializzato nel repertorio del XX secolo, con cui si è esibito per prestigiose società concertistiche e teatri, affrontando opere contemporanee tra le più complesse (Arpège di F. Donatoni per l’associazione Filarmonica di Rovereto, Tria ex uno di G.F. Haas per la Fondazione Teatro Comunale di Modena) oltre che diversi lavori scritti appositamente per questa formazione.
Ha fondato nel 2016 il Trio Praxodia, formazione di musicisti sardi che si dedicano alla ricerca interpretativa del repertorio tradizionale e moderno (prima esecuzione italiana di Lerchenmusik op. 53 del compositore polacco H. Gorecki).
Nel 2015 pubblica per la casa discografica svizzera Hat Hut Records Basel il suo primo disco solistico dal titolo Ammentos, costituito interamente di musiche originali e per la stessa etichetta nel 2022 esce il lavoro monumentale in doppio cd intitolato Compositori Sardi Contemporanei, istantanea della musica contemporaneità sarda.
Del 2021 il disco French connection (Linea occultae, Cagliari) un lavoro dedicato ai più rappresentativi lavori cameristici del Novecento per flauto e pianoforte con la collaborazione del flautista Tony Chessa.
Ha conseguito il diploma accademico in pianoforte presso il Conservatorio L. Canepa di Sassari, e in seguito si è perfezionato con Andrea Lucchesini, Pietro De Maria ed Enrico Stellini presso l’Accademia di Musica di Pinerolo, e con Lazar Berman presso l’Accademia di Musica di Firenze. Ha inoltre conseguito il Diploma di Alto perfezionamento in Musica da camera con il massimo dei voti presso l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia nella classe di Carlo Fabiano.

Paolo Pastorino (Sassari 1983) è un compositore di musica acusmatica e docente di tecnologie musicali.
Nel 2012 inizia a studiare musica elettronica presso il Conservatorio di Sassari sotto la guida dei M° Walter Cianciusi e Riccardo Sarti conseguendo il diploma di I livello. Nel 2017 consegue presso il Conservatorio di Cagliari il diploma di II livello in musica elettronica.
Nel 2014 segue uno stage di formazione artistica presso il Centro Ricerche Musicali di Roma sotto la guida del M° Michelangelo Lupone.
Ha partecipato a diverse masterclass tenute da artisti come Jean Claude Risset, Curtis Roads, Bernard Fort, Yann Robin, Eckart Altenmüller, Michelangelo Lupone, John Chowning e Tolga Tüzün.
Le sue composizioni sono state selezionate ed eseguite in numerosi festival nazionali ed internazionali di musica contemporanea ed elettroacustica: Sound Thought (Centre for contemporary arts – Glasgow), NoiseFloor (UK), BBC Radio 3, Sound Spaces (Svezia), NYCEMF (NY), Mantis Sonification (UK), Sonorities (UK), Spot – Octandre (Bordeaux), VERV (Venezia), OUA (Osaka University Of Arts), Dias de Música Electroacústica (Portogallo), Contemporanea Acusmatica (Udine), PLAY900 (Museo Novecento, Firenze), MUSLAB (Buenos Aires), Mixtur (Barcellona), Radio Datscha (Berlino ), Microtopies (Barcellona), Elektro Arts (Romania), Klingt gut! (Amburgo), Forum Wallis (Svizzera), SICMF (Gwangju), EX_NIHILO (Messico), NSEME (USA), San Francisco Tape Music Festival (USA), NWEAMO Festival (Tokyo), CIM (Cagliari) , EMUFest (Roma), CIRMMT (Montréal), Art & Science days (Bourges).

Giampaolo Bandini, artista DECCA,  è oggi considerato tra i migliori chitarristi italiani sulla scena internazionale.
Figura regolarmente nei cartelloni dei più importanti Festival di tutto il mondo, dall’Europa agli Stati Uniti, dall’Africa all’Asia e al Sud America (Teatro alla Scala di Milano, Filarmonica di San Pietroburgo, Carnegie Hall di New York, International Center for performing arts di Pechino, Sala Tchaikovsky di Mosca, Arts Center di Seoul, Ircam di Parigi). Ha effettuato tournées in più di 50 paesi del mondo, sia come solista che con le più importanti orchestre internazionali.
Collabora con artisti del calibro di Salvatore Accardo, Avi Avital, Massimo Quarta, Andrea Oliva, Trio di Parma, Danilo Rossi, Corrado Giuffredi, Quartetto Nous, Enrico Bronzi, Quartetto della Scala, Enrico Fagone, Sonia Ganassi, Quartetto Adorno, Michele Pertusi e con Sergio Rubini, Elio (delle Storie Tese), Monica Guerritore, Arnoldo Foà, Maddalena Crippa, Marco Baliani, Amanda Sandrelli e molti altri.
Nel 2011 gli è stata conferita dal Comitato Scientifico del Convegno di Alessandria la Chitarra d’oro per la promozione mentre nel 2022 ottiene quella per la Didattica e quella per il miglior CD cameristico. Giampaolo Bandini ha registrato più di venti cd per importanti etichette italiane ed estere. Nel 2017 è uscito il suo debutto discografico, “Escualo”, in duo con Cesare Chiacchiaretta, per la prestigiosa Decca Classics, a cui sono seguiti per la stessa etichetta “Intimate Paganini” (2020) per chitarra sola, registrato con la chitarra G. Fabricatore 1826, appartenuta a Niccolò Paganini, “Tango y Folia” (2020) per chitarra e bandoneon, e nel 2021 l’integrale della musica da camera per chitarra di Mario Castelnuovo-Tedesco.
La sua grande passione per l’insegnamento lo porta a tenere masterclass e corsi di perfezionamento in tutto il mondo. Numerosi suoi allievi hanno vinto premi nei più importanti concorsi internazionali di chitarra e musica da camera.
È titolare della cattedra di chitarra presso l’Istituto Musicale di alta formazione “L. Boccherini” di Lucca, dove ha costruito con il tempo un modello didattico innovativo e audace, che pone lo studente stesso al centro del progetto. Invitato regolarmente come docente ospite al Master di II livello del Conservatorio “A. Boito” di Parma insegna inoltre da più di un decennio nei corsi storici del Festival di Portogruaro.

Il Sestetto Verlaine nasce dal desiderio dei componenti di affrontare il meraviglioso repertorio da camera per fiati e pianoforte, in diverse formazioni, dal duo al sestetto.  Il repertorio va dai più famosi quintetti di Mozart e Beethoven alla musica del novecento, con le composizioni di Francis Poulenc, Bohuslav Martinů, Jean Francaix, Albert Roussel.
Tutti i componenti del Sestetto Verlaine hanno alle spalle una lunga esperienza come prime parti nelle più importanti orchestre italiane ed europee come l’Orchestra Filarmonica della Scala, del Maggio Musicale Fiorentino, dell’Accademia di Santa Cecilia, l’Orchestra Filarmonica Toscanini, Chamber Orchestra of Europe. In queste formazioni hanno collaborato coi più grandi direttori d’orchestra, Claudio Abbado, Nikolaus Harnoncourt, Lorin Maazel, Georges Prêtre, Riccardo Muti, Yuri Temirkanov solo per citarne alcuni.
Sono tutti docenti di ruolo per il loro strumento nei Conservatori di Parma, Bologna e Reggio Emilia e fra i loro ex-allievi spiccano prime parti in varie orchestra italiane ed europee.

Marco Serino ha compiuto gli studi musicali presso il Conservatorio S. Cecilia di Roma, conseguendo i diplomi in violino e musica da camera con il massimo di voti e la lode. In seguito è perfezionato presso l’Hochschule für Musik di Vienna con Gunter Pichler, la ProQuartet di Parigi con i Quartetti Amadeus, Melos, Berg e La Salle, il Royal College di Londra e il Conservatorio Superiore di Ginevra con Corrado Romano, dove gli è stato conferito il Premier Prix de virtuosité. È stato fondatore nel 1990 del Quartetto Bernini e membro del celebre complesso I Musici e collabora in qualità di solista e camerista con alcuni tra i più famosi interpreti, come Giuliano Carmignola, Christophe Coin, Wladimir Mendelssohn, Mario Brunello, Giovanni Sollima, Francesco Cera, Bruno Canino, Gerard Caussè, Hector Passarella, Alessandro Carbonare, per citarne alcuni. Si esibisce come solista e camerista nelle più prestigiose sale di tutto il mondo, tra cui la Filarmonica di Berlino e di Köln, Herkulessaal e Prinzregententheatre a Monaco di Baviera, Musikverein di Vienna, Queen Elizabeth Hall di Londra, Sala Tchaikowsky di Mosca, Teatro Marinsky di S. Pietroburgo, Suntory Hall di Tokyo, Arts Performance Center di Seul, Teatro Nazionale di Pechino, Shangai Theatre, Mozarteum Salzburg, Roma Auditorium Santa Cecilia, Milano Società del Quartetto, Biennale di Venezia. Importanti compositori gli hanno dedicato i propri lavori; da ricordare le collaborazioni con Ennio Morricone, Luis Bacalov, Matteo D’Amico, Alessandro Sbordoni, Gideon Lewinshon, Steve Reich, Ada Gentile e Pascal Dusapin. Ha collaborato come solista o primo violino di spalla con importanti orchestre come: l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, la Kammerorchester di Zurigo, Orchestra Haydn di Bolzano, La Stravaganza di Bucarest, l’Orchestra Sinfonica Abruzzese, il Teatro Bellini di Catania, Roma Sinfonietta, l’Orchestra I.C.O. di Lecce, l’Orchestra Regionale di Roma e del Lazio e altre.
Ha inciso per alcune prestigiose case discografiche tra cui Decca, Amadeus, Fonè, Tactus recensite e premiate dalle più importanti riviste specializzate come Strad, Repertoire, Classica e Amadeus. Nel 1999 Ennio Morricone (del quale è violino solista di tutte le colonne sonore dal 2000) gli ha conferito il prestigioso “Premio Michelangelo”, assegnato precedentemente a Goffredo Petrassi, Bruno Cagli, lo stesso Morricone, Renzo Piano, Alberto Sordi ed altri, per essersi particolarmente distinto nella diffusione dei valori umani e culturali. È docente di ruolo di violino presso il Conservatorio di Trento ed ha effettuato masterclass negli Stati Uniti presso molte Università del Nord America, presso l’Accademia für alte Musik di Brunico, per molti Conservatori italiani, per l’Arts Academy e per l’Accademia Filarmonica Romana. Si occupa anche di ricerche musicologiche, e recentemente le sue ricostruzioni di concerti inediti per violino di J. S. Bach sono state incise per Deutsche Grammophon da Giuliano Carmignola con il Concerto Köln. Suona un violino Niccolò Amati, Cremona 1661.

Michaela Antalová è una compositrice e percussionista slovacca che vive a Oslo. Michaela viaggia in tutto il mondo per eseguire concerti da solista e per prendere parte a diversi progetti; è una compositrice molto attiva attiva e scrive per ensemble e percussionisti. La sua musica presenta trame complesse combinate in svariate orchestrazioni che cambiano sottilmente attraverso graduali nuances.

Adrian Myhr è un bassista e compositore che vive a Oslo, in Norvegia.
Il progetto principale che lo vede protagonista è l’Adrian Myhr Trio, che esegue integralmente sue composizioni. È membro di numerosi ensemble: Oker, Michaela Antalová/Adrian Myhr, Kim Myhr Sympathetic Magic, Inger Hannisdal Ensemble, Helga Myhr Andsyning, Johan Lindvall Trio, Javid Afsari Rad Ensemble, Harpreet Bansal Band, Simiskina e Majaz. La musica che esegue si muove a cavallo tra improvvisazione, jazz, folk e musica contemporanea.

Omar Zoboli, nato a Nonantola (MO), ha studiato l’oboe in Italia con Sergio Possidoni e in Germania con Heinz Holliger a Freiburg im Breisgau. Le sue prime registrazioni con opere di Antonino Pasculli, il “Paganini dell’oboe” hanno destato l’interesse della critica internazionale e gli hanno permesso di farsi conoscere con innumerevoli recital e concerti come solista in prestigiosi festival in Europa, America e Giappone, suonando come solista con orchestre come Suisse Ro- mande Ginevra, Tonhalle Zurich, Kammerorchester Bäsel, Svizzera Italiana Lugano, RAI, Verdi e Pomeriggi Musicali Milano, Rotterdam Philharmonic, Radio Cracovia.
Nel 1978 ha vinto il 1° Premio al Concorso Internazionale di Anco- na e alla Rassegna Italiana di Giovani Interpreti della RAI. Ha rice- vuto gli impulsi musicali più importanti lavorando con Nikolaus Harnoncourt, Frans Brüggen, Giovanni Antonini, Attilio Cremonesi, Andrea Marcon, Diego Fasolis, Peter-Lukas Graf.
È stato primo Oboe dell’Orchestra della RAI di Napoli, della Radio della Svizzera Italiana, dell’Orchestra Sin- fonica di San Gallo e dell’Orchestra da camera di Basilea. Coll’oboe barocco e classico ha fatto parte di complessi quali Concentus Musicus Wien, Giardino Armonico, I Barocchisti, Scintilla Orchester Zürich.
Ha registrato una trentina di dischi con opere dal Barocco ai giorni nostri per Accord, Claves, Divox, Gallo, Stradivarius, Teldec ecc. Da alcuni anni suona anche in progetti con oboi romantici originali costruiti tra il 1830- 1890. Ha eseguito in prima assoluta opere a lui dedicate da Bussotti, Castiglioni, Glass, Gaudibert, Hoch, Lucchetti, Mosca, Möschinger, Pagliarani, Possio.
Edopo essere stato docente di oboe e di musica da camera per 30 anni presso la Musikhochschule di Basilea, tiene corsi di perfezionamento in Europa, in Cina e in America del Sud.
Attualmente insegna al Conservatorio della Svizzera Italiana a Lugano, musica da camera con metodologia e pratica.

Giorgio Cerasoli, nato a Roma nel 1960, si è diplomato al Conservatorio Santa Cecilia di Roma in pianoforte (sotto la guida di Fausto Di Cesare) e in organo e composizione organistica (sotto la guida di Hedda Illy Vignanelli). Ha studiato clavicembalo con Ferruccio Vignanelli, proseguendo lo studio con Kenneth Gilbert alla Hochschule Mozarteum di Salisburgo, dove nel 1992 ha conseguito il Diploma magistrale col massimo dei voti e la lode.
Ha più volte ricevuto premi e riconoscimenti in concorsi nazionali e internazionali, dalla menzione ottenuta nel 1988 alla Rassegna dei giovani concertisti organizzata a Roma dall’Associazione Romana Amici della Musica al terzo premio vinto al Concorso Nazionale Organistico di Viterbo nel
1983, dall’importante secondo premio ottenuto nel 1984 al Concorso Nazionale Clavicembalistico di Bologna al riconoscimento del 1992 al Concorso Internazionale di Clavicembalo di Bruges.
La sua visione appassionata e poliedrica della musica è testimoniata dall’attività concertistica svolta a livello solistico e in ensemble, dalle varie registrazioni e incisioni discografiche realizzate, ma anche dall’impegno in vari settori della comunicazione in ambito musicale, spaziando dall’attività giornalistica ed editoriale alle molteplici collaborazioni radiofoniche con la Rai, tra le quali diverse Lezioni di musica e le più recenti puntate della serie Wikimusic in onda su RadioTre.
Tra le prestigiose istituzioni in cui ha suonato nel corso degli anni, figurano l’Accademia Filarmonica Romana, la Fondazione Cini di Venezia, l’Associazione Clavicembalistica Bolognese, il Festival delle Nazioni di Città di Castello, il Teatro Verdi di Trieste. Inoltre un attivo interesse verso il repertorio contemporaneo lo ha portato inoltre a collaborare dal 2010 col PMCE (Parco della Musica Contemporanea Ensemble), partecipando a diverse produzioni presentate all’Auditorium Parco della Musica di Roma.
Titolare della cattedra di “Clavicembalo e tastiere storiche (clavicordo e fortepiano)” dal 1990, dal novembre 2021 insegna presso il Conservatorio di Musica “San Pietro a Majella” di Napoli, dopo aver ricoperto analogo incarico al presso il Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano (dal 2014 al 2021), al Conservatorio “Ottorino Respighi” di Latina (dal 2006 al 2014) e al Conservatorio “Giuseppe Tartini” di Trieste (dal 1990 al 2006).

Il Placard Wind Quintet si è formato durante il biennio 2018/2019 all’interno dell’Accademia Teatro alla Scala di Milano. É proprio in quest’ambito di eccellenza italiana che i cinque giovani musicisti: Yuri Guccione, flauto traverso; Carlo Ambrosoli, oboe e corno inglese; Giona Pasquetto, clarinetto; Luca Medioli, corno e Camilla Di Pilato, fagotto; decidono di consolidare la loro collaborazione creando quest’organico duttile e di innegabile fascino.
Il quintetto di fiati costituisce una sorta di ponte fra il mondo strumentale e quello vocale ed il repertorio permette quindi di mettere in risalto sia le doti dei singoli musicisti che di creare un impatto sonoro che arriva ad essere molto simile a quello di un’orchestra. Il Quintetto ha già al suo attivo numerosi concerti e collaborazioni tra le quali con Milano Classica in Palazzina Liberty, Fondazione Piseri, Associazione Endas Varese, Università Statale di Milano e Rassegna concertistica città di Bussero organizzata da Associazione Manifestare Opportunità, Wunderkammer Orchestra e Teatro Regio di Parma.