Stagione 2023

Augusta Giraldi, nata nel 1979 a Roma, intraprende gli studi di arpa presso il Conservatorio di Musica di Roma “S. Cecilia” sotto la guida della Prof.ssa Ofelia Guglielmi e si diploma nel 1998 con il massimo dei voti, ottenendo il premio “Marcello Intendente” quale miglior diploma dell’anno. Prosegue i suoi studi con Judith Liber (Prima Arpa della Israel Philarmonic, con Olga Mazzia (Prima Arpa della Filarmonica e del Teatro alla Scala) e con Cinzia Maurizio (Prima Arpa dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia).
Ha partecipato a Master Class tenute da Marie Pierre Langlamet (Prima Arpa dei Berliner Philarmoniker) e ha frequentato i corsi di specializzazione per professori d’orchestra dell’Accademia del Teatro alla Scala e della Scuola di Alto Perfezionamento Musicale di Saluzzo.
Nel 2002 ha vinto il concorso d’ingresso al “Conservatoire Superieur de Musique” di Ginevra dove ha studiato con Catherine Eisenoffer.
È stata premiata in diversi concorsi nazionali ed internazionali (Città d’Asti, Primo Premio; Città di Subiaco, Primo Premio assoluto “Victor Salvi”; Secondo Premio “Rovere d’Oro”, Terzo Premio “Anemos” di Roma).
È risultata idonea per l’Orchestra Giovanile Italiana (1998), per l’Orchestra Giovanile Europea (2003) e per la Verbier Orchestra (2003).
È stata Prima Arpa della Janacek Philarmonic Orchestra di Strasburgo diretta da J. L. Koenig. Con questa orchestra ha suonato al Festival Janacek di Hukvaldy (Repubblica Ceca), alla Konzerthaus di Berlino e al 29mo e 30mo Cantiere Internazionale d’Arte di Montepulciano.
Nel maggio del 2010 ha partecipato alla V^ edizione del “RIO HARP FEST” tenutosi nella città di Rio de Janeiro.
Dal 2005, collabora stabilmente con l’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia (Direttore Principale Sir Antonio Pappano), partecipando a tutte le tournée in Italia, Europa, Estremo Oriente. Ha partecipato alla registrazione per la EMI di Compact Disc dedicati a Ottorino Respighi (Fontane e Pini di Roma, Direttore Antonio Pappano), Gioacchino Rossini (Guglielmo Tell e Petite Messe Solennelle, Direttore Antonio Pappano), Gustav Mahler (Sinfonia n°6, Direttore Antonio Pappano), Pietro Mascagni (Arie del Verismo, Tenore Jonas Kauffmann, Direttore Antonio Pappano),Giuseppe Verdi (Aida, Direttore Antonio Pappano), Leonard Bernstein (Le Tre Sinfonie, Direttore Antonio Pappano).
È inoltre Professoressa di Arpa presso la Juniorchestra, progetto educativo rivolto ai bambini da sei anni in su dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e coordinatrice ed insegnante dell’Ensemble di Arpe della Juniorchestra, ensemble nata nel 2011 in seno alla Juniorchestra e rivolta alla formazione strumentale e di musica da camera delle giovani allieve. L’ensemble si è esibita già nelle stagioni dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e Fondazione Musica per Roma.
Collabora con diverse orchestre quali l’Orchestra del Teatro alla Scala, l’Orchestra della Filarmonica del Teatro alla Scala, l’Orchestra della Suisse Romande, l’Orchestra del Teatro dell’Opera di Roma, l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, l’Orchestra del Teatro Lirico di Cagliari, l’Orchestra del Teatro Petruzzelli di Bari, l’Orchestra “G. Verdi” di Milano, l’Orchestra du Festival Archipel di Ginevra, l’Orchestra Sinfonica dell’Umbria, l’Orchestra da Camera del Gonfalone, i Solisti di Perugia, l’Orchestra Stabile di Bergamo, l’Orchestra Regionale del Lazio e altre Orchestre Internazionali e Nazionali.
Dal 2004 al 2014 è stata Prima Arpa dell’Orchestra Sinfonica di Roma.
Dal 2005 al 2011 ha collaborato stabilmente con l’Orchestra Regionale del Lazio diretta da Lu Ja come Prima Arpa.
Dal 2005 collabora con l’Orchestra Roma Sinfonietta, partecipando a tutte le tournée dirette dal Maestro Ennio Morricone (Italia, Europa, Asia e Americhe) e alle registrazioni delle sue musiche da film.
Ha suonato sotto la guida di importanti direttori quali Pappano, Gergiev, Maazel, Mehta, Barenboim, Dutoit, Prêtre, Nezet-Seguin, Ticciati, Dudamel, Gatti, Marshall, Conlon, de Burgos, Muti, Temirkanov, Ono, Steinberg, Tate, Ja, Nagano, Renzetti, Petrenko, Valčuha, Hardin, Hrůša, Gilbert.
Ha collaborato con diversi ensemble da camera quali l’Ensemble Contemporaine di Ginevra diretto da J. J. Balet, l’Ensemble Garbarino, l’Ensemble del ‘900 diretto da G. Bernasconi.
Collabora stabilmente con l’Ensemble Musica d’Oggi dove ha più volte ricoperto ruoli da solista.
È stata membro dell’Orchestra da Camera Suono Italiano per l’Europa, progetto della Federazione CEMAT.
Ha inciso in studio musiche del compositore Mario Pagotto (2004), musiche del Trio di Debussy per flauto, viola e arpa (2005) e musiche per piccolo ensemble dedicato ad Astor Piazzolla (2008).
Ha partecipato a diversi progetti che mirano all’inserimento dell’arpa nell’orchestra jazz suonando nella tournée della cantante Dee Dee Bridgewater e ad Umbria Jazz 2000 con la cantante Dianne Reeves.
Dal 2012 collabora, unica strumentista sul palco, con l’attrice Ottavia Piccolo nello spettacolo “Donna non rieducabile”.
Dal febbraio 2022 è docente di arpa presso il Conservatorio “Umberto Giordano” di Foggia e il Conservatorio “Domenico Cimarosa” di Avellino (contratto professionale).

Guido Barbieri insegna Storia ed estetica della Musica al Conservatorio “Bruno Maderna” di Cesena. Per vent’anni critico musicale del quotidiano La Repubblica, scrive attualmente per pagine culturali de Il Manifesto. Collabora stabilmente come tutor con la Biennale Musica di Venezia. Dal 1980 voce “storica” di Radio 3 si dedica principalmente, oggi, alla drammaturgica musicale, rivolgendo una particolare attenzione alla “musica della realtà”.
Ha scritto testi, libretti e readings destinati ad alcuni dei maggiori compositori italiani: Ennio Morricone, Adriano Guarnieri, Azio Corghi, Ivan Fedele, Lucia Ronchetti, Silvia Colasanti, Riccardo Nova, Fabio Cifariello Ciardi, Claudio Rastelli, Mauro Cardi, Robeerta Vacca, Luigi Ceccarelli, Paolo Marzocchi, Fabrizio De Rossi Re, Andrea Molino, Michele Tadini, Michele Sammarchi, Paolo Aralla e molti altri.
Ha condiviso il palcoscenico, nel ruolo di voce narrante e recitante, con musicisti come Mario Brunello, Giuliano Carmignola, Andrea Lucchesini, Marco Rizzi, Danilo Rossi, Giampaolo Pretto, Alessio Allegrini, Luca Franzetti, Claudio Pasceri, Gabriele Mirabassi, Ramin Bahrami, Maurizio Baglini, Silvia Chiesa, Gabriele Pieranunzi, Francesco Senese, Roberto Prosseda, Giuseppe Andaloro, Michele Marco Rossi, Massimo Mercelli, Laura Catrani, Valentina Coladonato, l’Ensemble Ars Ludi.
I suoi testi sono stati messi in scena e interpretati, in diversi teatri italiani e stranieri, da personalità del teatro come Giorgio Barberio Corsetti, Elio De Capitani, Carlo Cecchi, Toni Servillo, Maria Paiato, Moni Ovadia, Vinicio Marchioni, Alessio Pizzech e molti altri.
I titoli più importanti sono Portopalo. Nomi su tombe senza corpi, Night Commuters, Three Miles Island, Al Kamandjati, basato sulla storia del musicista palestinese Ramzi Aburedwan, Le ossa di Cartesio, In alloro mutò il suo pianto. Numerosi in particolare, i testi e gli spettacoli dedicati alla musica della Shoah. Tra gli altri La corda spezzata, un radiodramma sui musicisti di Terezin prodotto da Radio 3 e presentato al Prix Italia, l’adattamento di Badenheim 1939 di Aaron Appelfeld e de I Cannibali di George Tabori, Le imperdonabili, basato sui Diari di Etty Hillesum, Un violoncello nell’inferno di Terezin, Dove almeno troverò un po’ di pace, dedicato alla vicenda di Orlando Orlandi Posti, uno dei martiri delle Fosse Ardeatine, Il diario di Dora Klein, Storia di Jean e Jean, sulla vicenda di Jean Le Boulaire/Jean Lanier, e inoltre il libretto dell’opera Il viaggio di Roberto. Un treno verso Auschwitz, su musiche di Paolo Marzocchi. Le opere più recenti sono In alloro mutò il suo pianto con musiche di Luigi Sammarchi, presentato a Bologna Festival 2021, The Running Game con Paolo Aralla e Michele Marco Rossi messo in scena al Festival Est Ovest di Torino, Storia di un Gesù con Massimo Mercelli e l’Orchestra Calamani al Teatro Mancinelli di Orvieto, Vorrei essere scrittore di musica, un recital per voce narrante e violoncello ideato insieme Mario Brunello e dedicato al rapporto tra Pasolini e Bach, e infine due lavori con le musiche originali di Paolo Marzocchi: Ho bisogno di un eroe, dedicato alla relazione amorosa tra George Byron e Teresa Guiccioli, e Stabant Matres, rappresentato nella Chiesa di S. Vitale, a Ravenna, per Ravenna Festival 2023.
Dopo avere fondato la Human Right Orchestra, la rassegna Contemporanea all’Auditorium di Roma, l’Associazione She Lives e il Comitato Terezin 17/10 attualmente è direttore artistico della Società dei Concerti Guido Michelli di Ancona e del Festival del Quartetto al Teatro dei Documenti di Roma, nonché membro del comitato artistico (insieme a Bernard Haitink, Diego Matheusz e Francesco Senese) del Festival sull’Acqua di Colico e della direzione artistica dell’Archivio Nazionale del Diario di Pieve S. Stefano. Tuttora scrive saggi e tiene conferenze per le maggiori istituzioni musicali italiane. Nel 2009 ha ricevuto il Premio Feronia per la critica musicale.

Classe 1989, Michele Marco Rossi si è affermato come uno degli interpreti di riferimento per la musica d’oggi, ampliando significativamente il repertorio del violoncello nel suo lavoro a stretto contatto con i più grandi compositori del nostro tempo.
Per lui hanno scritto i loro nuovi pezzi per Violoncello Solo compositori come G. Aperghis, I. Fedele, B. Gander, F. Vacchi, A. Solbiati, L. Ronchetti, N. Baba, F. Perocco, M. Franceschini, V. Montalti, F. Gardella, Z. Baldi, P. Corrado, F. Cifariello Ciardi, e collabora con E. Poppe, H. Lachenmann, K. Penderecki, C. Bauckholt, U. Chin, K. Huber, B. Furrer tra i moltissimi. Salvatore Sciarrino compone per lui Linee d’aria per violoncello e orchestra, e Ivan Fedele gli dedica il suo 3° Concerto per Violoncello e Orchestra.
Nel 2023 debutta con due recital solistici al Teatro alla Scala di Milano per il Festival Milano Musica.
Le principali stagioni concertistiche ospitano regolarmente i suoi concerti, che abbracciano un repertorio di oltre 500 anni e si articolano come una continua ricerca e scoperta in diretta condivisione con il pubblico.  Insieme a Direttori come Kent Nagano, Oksana Lyniv, Enno Poppe, Marco Angius, Tito Ceccherini, Michele Marco Rossi esegue Seven Words di Sofja Gubaidulina con l’Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, realizza la prima assoluta di Adagio e Minuetto variato di Goffredo Petrassi e di Passionis Fragmenta di Salvatore Sciarrino con l’Orchestra di Padova e del Veneto.
Debutta con l’Orchestra del Teatro Comunale di Bologna per la prima assoluta del 2° Concerto per Violoncello e Grande Orchestra di Luis de Pablo, con l’Orchestra del Teatro Petruzzelli in un’unica serata per i Concerti n.1 e n.2 per Violoncello e Orchestra e con l’Orchestra Sinfonica Abruzzese per il Doppio Concerto Dioscuri di Ivan Fedele.
Nel 2022 l’Associazione Nazionale dei Critici Musicali gli conferisce il Premio Abbiati del Disco per la sua registrazione dell’integrale della musica per Violoncello di Ivan Fedele (ed. Kairos). Per Kairos vengono pubblicati anche i dischi monografici su Lucia Ronchetti (Action Music Pieces) e Hannes Kerschbaumer (Schraffur), e per Brilliant Classics l’integrale della musica da camera con pianoforte di Riccardo Malipiero.
La critica lo definisce come un “interprete di eccellenza, capace anche di appassionare anche un pubblico di non iniziati alla contemporanea” (il Giornale della Musica), “Usa e abusa dello strumento come un maestro consolidato e come un genio, canta e recita e impressiona” (Euronews), “Solista eccelso per tecnica e passione” (Il Manifesto), “protagonista di una prova maiuscola fatta di arcate decise e capace di rendere con pienezza le angosce ritmiche della partitura” (Le Salon Musical).
Rossi dal 2023 scrive per la rivista Archi Magazine curando una nuova rubrica di sue conversazioni con i maggiori compositori del nostro tempo, e ha collaborato in progetti con Nicola Piovani, Andrea Camilleri e Valerio Magrelli, portando avanti un progetto trasversale di approfondimento e diffusione dell’espressione contemporanea.

Paolo Aralla nasce a Lecce nel 1960. Determinanti per la sua formazione artistica gli incontri con Franco Donatoni, con il quale studia presso l’Accademia Chigiana di Siena (borse di studio dalla Siae e dal Conservatoire Superieur di Parigi) e l’Accademia Nazionale di S. Cecilia di Roma, e Marcel Couraud con il quale approfondisce il repertorio sinfonico-corale sia classico che del ‘900 storico. Si segnala vincendo importanti concorsi di composizione: nel 1987 primo premio al concorso internazionale Atem di Terni; nel 1990 primo premio al concorso internazionale “Gaudeamus” di Amsterdam e secondo premio al c oncorso internazionale “C. Togni” di Brescia; nel 1995 terzo premio al concorso internazionale “Contilli” di Messina; nel 1997 vince la selezione dal Comitato di Lettura dell’Ensemble Intercontemporain che gli commissiona un lavoro per orchestra, “Maree: primo quaderno”, eseguito in prima assoluta alla Cité de la Musique (Parigi 1999) sotto la direzione di Jonathan Nott. Ha inoltre ricevuto commissioni dalla Fondazione Arturo Toscanini, dal Miller Theatre (Columbia University) di New York, dal Teatro Comunale di Bologna, dal Cedar Lake di New York, dalla Fondazione Gaudeamus di Amsterdam, dalla Biennale di Venezia, dal Joyce Theatre di New York, dal Teatro di Perm; nella primavera 2009 l’Austrian Cultural Forum di New York gli dedica un concerto monografico affidato ai musicisti dell’Either/Or ensemble. La sua musica è interpretata da musicisti quali Günter Neuhold, Eva-Maria Kurhau, Maurizio Ben Omar, Antonio Politano, Francesco Dillon, Het Trio, Sarah Leonard, Haesung Choe, Enzo Porta, Stefano Malferrari, Michael Nicolas, Erin Lesser, MDI ensemble, Yoichi Sugiyama, Quartetto Foné, Quartetto Klima, BIT20 Ensemble, Österreichisches Ensemble für Neue Musik, Nuovo Ensemble Europeo, Ensemble 20, Zephir Ensemble, Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, Orchestra Toscanini. E’ presente in numerosi centri di produzione: Amsterdam (Gaudeamus), Bologna (Bologna Festival, Teatro Comunale, Accademia Filarmonica), Parigi (Radio France, Cité de la Musique), Londra, Palermo (Spasimo), Montepulciano (Cantiere Internazionale d’arte), Parma (Teatro Farnese), Portland, Losanna, Tokio, San Francisco, New York, Roma (Foro Italico), Milano (Milano Musica), Torino, Salisburgo (Orchesterhaus), Cincinnati, Siena, Venezia (Biennale Musica), Spoleto (Festival dei Due Mondi), Mittelfest ecc.. Da diversi anni è impegnato nel campo dell’informatica musicale: dal 1992 al 1997 realizza, presso lo studio “MMT” di Milano, le parti elettroniche di alcuni suoi lavori; nel 1997 è invitato presso l’IRCAM di Parigi per uno stage di specializzazione di informatica musicale, approfondendo l’utilizzo dei principali software di ausilio alla composizione (PWGL e Max/MSP). Nel 2001 fonda, insieme ad altri compositori europei e con il sostegno dell’Ircam di Parigi, il gruppo PRISMA (Pedagogia e Ricerca Internazionale sui Sistemi Musicali Assistiti da computer). Fra le finalità di Prisma è centrale quella dello scambio delle conoscenze e degli sviluppi relativi alle tecnologie di ausilio alla composizione. Dal 2005 collabora con il coreografo Luca Veggetti alla realizzazione di una serie di progetti coreografico-musicali (PiecesForTheHumanVoice) nei quali è caratterizzante l’uso dei dispositivi di elaborazione del suono in tempo reale: • “Silence/Text”, per i danzatori del New York City Ballet (Joyce Theatre di New York – 2006) • “O – new version”, per i danzatori dell’Operà di Parigi (2006) • “Ensemble for Somnambulists” (Portland – 2006 e 2007) • “Four/Voice”, per i danzatori del New York City Ballet (Miller Theatre di New York – 2007) • “Play for dancer”, Milano (Pim Spazio Scenico di Milano – 2008) • “O”, per i danzatori dell’Operà di Parigi (2008) • “Memory/Measure”, per il Cedar Lake di New York (2009) • “Upon a Ground”, per i danzatori del New York City Ballet (Spoleto – 2009) • “Script”, per i danzatori del Cincinnati Ballet (2009) • “Nothing”, Festival MilanOltre (2009) • “Meditations on Violence”, Teatro di Perm (2011) • “Scene/Two”, per i danzatori della Julliard School (2012) • “Vivo e Coscienza”, per i danzatori della Scuola di Teatro/Danza Paolo Grassi di Milano (2013) • Non essere, una tentazione – Teatro Verdi Milano (2016) • Scenario – per il MART di Rovereto (2016). Fonda a Bologna nel 2002, con un gruppo di compositori e strumentisti, il FontanaMIXensemble ed insieme a Francesco La Licata è, dal 2004, ideatore e direttore artistico della rassegna di concerti Exitime dedicata alle esperienze musicali della contemporaneità. E’ docente di “Composizione” presso il Conservatorio “G.B. Martini” di Bologna.

Il “Pantoum” è una forma poetica originaria della Malesia arrivata in Francia con la moda dell’orientalismo nel XIX secolo, in cui due idee, una pittoresca e descrittiva, l’altra intima e sentimentale, si intrecciano costantemente. È in riferimento a questa corrente di cultura letteraria e artistica, strettamente legata alla musica francese a cavallo tra Ottocento e Novecento, che nel 2016 Hugo Meder, Bo-Geun Park e Virgile Roche, all’inizio della loro carriera al Conservatoire National Supérieur de Paris, hanno fondato il Trio Pantoum, da allora affermatosi come uno dei più promettenti ensemble di musica da camera europea. Sotto la direzione di Emmanuelle Bertrand e Michaël Hentz, i tre musicisti hanno poi iniziato un approfondito lavoro sul repertorio della Musica da camera per archi e pianoforte, che hanno avuto modo di eseguire nelle prestigiose classi del Trio Wanderer al Conservatoire à Rayonnement di Parigi dal 2018 al 2020, di Claire Désert e Ami Flammer al Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dal 2019 al 2021 e infine di François Salque e Louis Rodde dal 2021. Il Trio ha inoltre studiato con musicisti di fama internazionale come Günter Pichler, Irvine Arditti, Marc Coppey, Alexis Galpérine, Emmanuel Strosser, Jérôme Pernoo, Jonas Vitaud, Xavier Gagnepain o Olivier Charlier, e ha avuto la possibilità di incontrare membri dei Quartetti Ébène, Modigliani e Diotima durante le master class al “CNSMDP”, e anche di lavorare, grazie al programma ECMA (European Chamber Music Academy), con Hatto Beyerle (Quatuor Alban Berg), Johannes Meissl (Quatuor Artis), Antonio Meneses (Trio Beaux-Arts), Patrick Jüdt, membri dei Quartetti Talich e Škampa. Nel 2021, il Trio è diventato “ECMA Aspirant-Ensemble”, il che lo porterà a perfezionarsi ulteriormente con i più grandi maestri europei e ad esibirsi in alcuni dei migliori palchi internazionali. Il Trio ha ricevuto in particolare un Terzo Premio (Primo Premio non assegnato) al “Joseph Joachim International Chamber Music Competition” di Weimar nel 2022, un Terzo Premio al Concorso ARD di Monaco di Baviera, un Primo Premio all’unanimità alla “Fédération Nationale des Associations de Parents d’Élèves de Conservatoires” European Chamber Music Competition nel 2021, un Secondo Premio al “Illzach International Chamber Music” nel 2019, il Premio d’Onore del Concorso Internazionale “Léopold Bellan” nel 2021, il Primo Premio al Concorso Internazionale “Premio Trio di Trieste” nel 2022, il Primo Premio ex aequo con il Trio Bohémo al ”International Joseph Haydn Chamber Music Competition” nel 2023 e, nello stesso anno, il Primo Premio e due premi speciali al “Lyon International Chamber Music Competition”, il Secondo Premio all’”Osaka International Chamber Music Competition & Festa” ed infine il Secondo Premio al “Melbourne International Chamber Music Competition”. Il complesso è stato Resident ProQuartet-European Chamber Music Center e inoltre Roche, Meder e Park saranno artisti “in residence” presso la Queen Elisabeth Music Chapel (Belgio) dal 2022 al 2023.

Il collettivo Opificio Sonoro nasce nel 2019 e stabilisce la propria base a Perugia. Molteplici professionalità di generazioni differenti decidono di lavorare insieme accettando la sfida di definire nuove forme di contatto con il pensiero contemporaneo attraverso il suono: dal concerto all’installazione sonora, dalla pratica della musica da camera alle tecniche di registrazione e incisione, dalla programmazione creativa alla nuova liuteria.
Il cuore del collettivo è l’ensemble di 13 musicisti che si dedica al repertorio classico contemporaneo e alla creazione musicale. Già gruppo di riferimento del Festival Orizzonti promosso dalla Fondazione Perugia Musica Classica, è stato ospite di residenze artistiche presso Tempo Reale a Firenze e presso il Mattatoio di Roma.
Le produzioni di Opificio Sonoro sono state accolte in festival e istituzioni musicali come Nuova Consonanza (Roma), Spazio Musica (Cagliari), Musica del XXI secolo (Mantova), il Festival della Piana del Cavaliere, Piediluco Festival, l’Istituto Italiano di Cultura di Lima (Perù), Trame Sonore (Mantova).
Opificio Sonoro ha commissionato nuove opere musicali e installazioni sonore a vari artisti, di cui ha curato la realizzazione e la diffusione, collabora regolarmente con compositori, interpreti e ricercatori nel campo musicale e tecnologico.
La produzione video Musica Picta, dedicata alla musica contemporanea italiana, è stata premiata dal Ministero degli Esteri e il documentario Promenade Sciarrino è stato premiato al PerSo Film Festival e trasmesso da Rai5.
La collaborazione con Salvatore Sciarrino ha portato alla realizzazione del CD monografico Sciarrino Chamber Music pubblicato dall’etichetta olandese Brilliant Classics.

Paolo Marzocchi, pianista e compositore, è nato a Pesaro nel 1971, dove ha compiuto gli studi musicali.
Di formazione classica, si è dedicato alla composizione in tutte le sue forme, dal teatro, al cinema, alla radio, fino alle sperimentazioni con altri linguaggi e alla composizione ‘pura’.
Come compositore ha collaborato con tantissimi artisti di fama internazionale, e ricevuto numerose commissioni per la realizzazione di opere pianistiche, da camera e orchestrali, collaborando con istituzioni prestigiose come il Lucerne Festival, il Maggio Musicale Fiorentino, il Teatro La Fenice di Venezia, l’Orchestra Filarmonica Arturo Toscanini, l’Orchestra Leonore, l’Orchestra Verdi e i Pomeriggi Musicali di Milano, l’Orchestra della Radio Nazionale Romena, il Teatro dell’Opera di Roma, la Biennale di Venezia, il Festival Musica sull’Acqua, il Festival Multiplicidade di Rio de Janeiro, il festival FLOEMA di Pistoia, il festival Borderline Moving Images di Beijing.
Ha collaborato diversi anni con il Ministero dell’Istruzione, dell’Università e della Ricerca su progetti sperimentali legati all’istruzione musicale e alla sensibilizzazione sociale, nonché alla creazione di orchestre e cori giovanili.  Nel 2015 il progetto “La musica, il lavoro minorile e il diritto all’istruzione”, in collaborazione con International Labour Organization, MIUR e con la Filarmonica del Comunale di Bologna, è stato per Marzocchi l’occasione di sperimentare una innovativa metodologia d’insegnamento della composizione ai giovanissimi musicisti, da lui definita “rendering”.
Successivamente, in un progetto sostenuto dalla Fondazione Mast di Bologna, la metodologia del “rendering” è stata sperimentata su un gruppo di bambini di cinque anni, che è alla base della composizione “Little Symphonies” (2018).
Tra gli eventi degli ultimi anni che lo hanno visto protagonista, si evidenziano la prima esecuzione del suo nuovo concerto per pianoforte orchestra e arpa a bicchieri “Fantasia dell’Assenza” con l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino e la Filarmonica Arturo Toscanini; diversi progetti realizzati a Lampedusa con i bambini dell’isola (tra cui “Le nuove vie dei Canti” con Guido Barbieri); la collaborazione con il tenore Juan Diego Florez, per la registrazione discografica dell’album “Italia” (DECCA International 2015); la  nuova composizione “O pazzo desire!”, eseguita in prima assoluta dall’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, con la direzione di Diego Matheuz, lo spettacolo “Ex Machina” con Paolo Fresu, al Mast Di Bologna; il melologo fantascientifico “Mymosh, il Figlio-di-Se-Stesso” per quartetto d’archi e voce narrante (FLOEMA, Pistoia 2018), la collaborazione con Danusha Waskiewicz, Andrea Rebaudengo e Cristina Zavalloni (Musica Insieme, Bologna 2018 e Festival Mito 2019).
La sua opera “Il viaggio Roberto”, su libretto di Guido Barbieri, che nel 2014 riscosse – tra gli altri – il plauso di Riccardo Muti, è stata rappresentata nella stagione 2016/17 dell’Opera di Firenze, sotto la direzione musicale dello stesso Marzocchi, e nel 2018/19 ripresa al Teatro Alighieri di Ravenna, al Teatro Regio di Parma e al Comunale di Ferrara.
Paolo Marzocchi è anche l’ideatore e direttore artistico di WunderKammerOrchestra, un ensemble pensato per portare la musica sinfonica dove le grandi orchestre non riescono ad arrivare. La WKO ha debuttato a Lampedusa il primo aprile 2017 per l’inaugurazione del nuovo pianoforte dell’isola, con la direzione di Carlo Tenan e lo stesso Marzocchi al pianoforte.
È Presidente Onorario dell’Associazione Culturale Musicale Lipadusa di Lampedusa.